Bereits kurz nach der Gründung stellten sich erste Erfolge bei Fury in the Slaughterhouse ein – was vor allem am rockigen Timbre und am unglaublichen Talent der fünf Musiker lag. Nicht abstreiten lässt sich auch, dass Musikfans zur damaligen Zeit in Rockmusik eine willkommene Abwechslung zur Neuen Deutschen Welle sahen.

Ausverkaufte Hallen – Der Erfolg beginnt

Bei einem Konzert von Fury in the Slaughterhouse 1988 waren alle Plätze im Hannoveraner Capitol ausverkauft. Daraufhin folgten Top50-Platzierungen in den Charts. Endgültig im Musikbusiness angekommen waren Fury in the Slaughterhouse, als 1992 ihre Plattenfirma und die BMG Ariola Hamburg durch ein Gemeinschaftsunternehmen das Plattenlabel “Slaughterhouse Music” gründeten. Für Fury in the Slaughterhouse war dies der Impuls, sich nun auch live in den europäischen und anglo-amerikanischen Raum zu wagen. Ihr Bestreben sollte belohnt werden, denn 1993 schafften sie mit ihren Songs “Radio Orchid” und “Every Generation Got Its Own Disease” sowie mit ihrem Album “Mono” den internationalen Durchbruch.

Änderungen in der Band-Konstellation

Lange Zeit über versuchten Fury in the Slaughterhouse, an diese Erfolge anzuknüpfen, was ihnen aber nicht gelang. 1996 entschloss man sich dann dazu, neue Wege in der Band-Konstellation zu gehen, indem Bassist Hannes Schäfer durch Christian Decker ersetzt wurde. Kurz darauf nahm sich die Musikgruppe eine schöpferische Pause – nicht nur, um das neue Bandmitglied besser kennen zu lernen, sondern auch, um an neuen Songs zu arbeiten. Das Resultat war ein voller Erfolg. So schaffte es das neue Album “Brilliant thieves” 1997 auf Platz 3 der Album-Charts.

Abschied von den Fans

Nachdem Fury in the Slaughterhouse gemeinsam mit ihren Fans bei einem riesigen Konzert ihr 10-jähriges Bestehen feierten, folgten weitere Jahre musikalischen Erfolges. So durften sich Fury in the Slaughterhouse 2006 sogar in das Goldene Buch der Stadt Hannover eintragen. Diese Freude hielt bei den Fans aber nicht lange, denn die Rockgruppe gab nur wenige Zeit später ihre Auflösung bekannt. Von März bis Ende August 2008 wollten sie ihre Erfolge noch einmal mit ihren Fans feiern und starteten eine Abschiedstournee quer durch Deutschland. Dabei wurden alle Konzerte aufgezeichnet. Ein besonderer Bonus: Die Konzerte konnten direkt im Anschluss an das Konzert auf USB-Sticks erworben werden. Vom Auftritt in Hannover gibt es sogar eine Doppel-DVD – außerdem wurde eine CD unter dem Namen “Farewell & Goodbye” veröffentlicht.

Bis zu ihrer Auflösung konnten Fury in the Slaughterhouse mehr als 4 Millionen Alben verkaufen und ließen ihre Fans weltweit auf mehr als 1000 Konzerten und Festivals an ihrer musikalischen Karriere teilhaben.

Schicksalsschläge und einschneidende Erlebnisse prägen Waters’ Musikstil

Fans lieben ihn wegen seiner zynischen Gesellschaftskritik und weil Roger Waters in jeden Song immer persönliche Erfahrungen einfließen lässt. Dabei blickt er immer mit einem pessimistischen und kritischem Auge auf die moderne Gesellschaft. Dass er bereits viel – darunter nicht immer Schönes – erlebt hat, merkt man durchaus an den Songs von Roger Waters. Ein besonders herber Schicksalsschlag war für ihn, als sein Vater Eric Fletcher Waters im Zweiten Weltkrieg ums Leben kam. Um diesen tiefen Einschnitt in seinem Leben zu verarbeiten, hat Waters seinen Gefühlen und Gedanken in vielen Songs Leben eingehaucht. Wer mehr darüber erfahren möchte, sollte sich das Pink Floyd Album “The Wall” anhören. In diesem findet sich viel Autobiografisches von Roger Waters wieder. Wie sehr es den Musiker getroffen hat, ohne Vater aufzuwachsen, erkennt man auch sehr gut am letzten Pink Floyd Album mit Waters – The Final Cut – dieses hat der Brite seinem Vater gewidmet.

Nachhaltig geprägt wurde das Schaffen von Roger Waters auch durch dessen Jugendfreund und Bandkollegen Syd Barrett, der im Juli 2006 starb. Bereits 1968 musste sich der Mitbegründer und kreative Kopf von Pink Floyd aufgrund psychischer Probleme von seinen Freunden und Kollegen verabschieden. Das anfängliche Experimentieren mit Drogen entwickelte sich recht schnell zu einem gefährlichen Drogenkonsum, der mit deutlichem Realitätsverlust einher ging. Barrett starb schließlich an einem Krebsleiden. Roger Waters widmete gemeinsam mit seinen Kollegen von Pink Floyd einige Alben und Songs seinem verstorbenen Freund.

Vor der Musik – gescheiterte Ausbildung und Studium

Bevor Roger Waters seine Liebe zur Musik entdeckte, fing er eine Ausbildung zum Marinekadetten an – wurde wegen Disziplinlosigkeit jedoch unehrenhaft entlassen. Kurz darauf wurde er Vorsitzender der örtlichen Jugendgruppe der Anti-Atomwaffen-Bewegung. Erste musikalische Erfahrungen sammeln konnte die heutige Ikone mit verschiedenen Bands – hauptsächlich Blues-Gruppen.

1962 beginnt Roger Waters sein Architekturstudium in London. Knapp drei Jahre später gründete er mit seinen Studentenfreunden Nick Mason und Richard Wright die Band “Sigma 6″, aus welcher später die weltberühmte Musikgruppe Pink Floyd hervorging. Nachdem Songschreiber, Hauptkomponist und Frontmann Syd Barrett die Band 1968 verließ, avancierte Waters zum wichtigsten Gruppenmitglied. Alle Pink Floyd Alben tragen seine Handschrift.

Auflösung von Pink Floyd und Solokarriere

Als 1983 Waters Bestreben, Pink Floyd aufzulösen, scheiterte, verließ er Ende 1985 die Band in dem Glauben, diese wäre durch den Verlust ihres kreativen Kopfes dazu gezwungen, sich aufzulösen. Während Roger Waters seine Solokarriere weiter vorantrieb, veröffentlichten seine Freunde als Pink Floyd weiterhin Songs.

Sein absoluten Durchbruch als Solokünstler gelang ihm schließlich 1990, als er anlässlich des Mauerfalls eine spektakuläre Inszenierung von “The Wall” auf dem Potsdamer Platz in Berlin zum Besten gab und dabei von zahlreichen internationalen Künstlern unterstützt wurde. Kurz danach folgten mehrere Jahre ohne Auftritte und Veröffentlichungen. 1999 hatten seine Fans Waters aber endlich wieder, als er sich mit der “In The Flesh Tour” bis 2002 wieder Gehör in der internationalen Musikszene verschaffte. Die überraschend erfolgreiche Tour wurde auf CD & DVD verewigt.

Bis heute steht Roger Waters offen und mutig zu seinen Ansichten und tut diese in vielen Songs kund. So verarbeitete er in etwa den Irakkrieg 2003 in den Titeln “To Kill The Child” und “Leaving Beirut”. Danach folgte eine europaweite Tour sowie eine Tournee durch Nordamerika. Außerdem legten Waters und seine ehemaligen Band-Kollegen von Pink Floyd ihren Streit bei und traten sogar mehrmals gemeinsam auf.

Das erste Mal auf rockigen Pfaden wandelte der Weltstar 1977, als er mit Stewart Copeland und Andy Summers direkt in London die Rock-Pop-Band “The Police” gründete. Viele Fans sind der Meinung, dass dies für den ehemaligen Englischlehrer der Startschuss in eine rosige Zukunft war. Und tatsächlich stellte sich der Erfolg von The Police nur wenige Monate nach deren Gründung ein, als es der Gruppe gelang, 1978 mit mehreren Alben an die Spitze der Hitparade zu schießen und in den frühen 1980er Jahren insgesamt sechs Grammys zu gewinnen. Allerdings hielt sich die Band nicht lange. Zwar versuchte man nach dem letzten gemeinsamen Album “Synchronicity” 1983 drei Jahre später noch einmal, gemeinsam musikalische Pfade zu beschreiten (Song “Don’t Stand So Close to Me”) und die drei Freunde spielten 1992 auch auf Stings Hochzeit mit Trudie Styler, doch ihre endgültige Trennung zeichnete sich nur kurze Zeit später ab. Nachdem die Band, die vor allem durch ihre erfolgreichen Single-Auskopplungen “Message in a Bottle” (1979), “Walking on the Moon” (1979), “Don’t Stand So Close to Me” (1980), “Every Little Thing She Does Is Magic” (1981) und “Every Breath You Take” (1983) heute noch vielen ein Begriff ist, anlässlich der Grammy Awards 2007 ihr Comeback bekannt gab, gab die Gruppe nur ein knappes Jahr später ihr endgültig letztes Konzert.

Für Frontmann Sting bedeutete dies, fortan auf Solo-Pfaden zu wandeln – und das äußerst erfolgreich. So widmete sich der Sänger zum Beispiel der Schauspielerei, indem er in einigen Kinofilmen, wie zum Beispiel “Stormy Monday” (1987) und “Bube, Dame, König, grAs” (1998), mitwirkte – obwohl er dies auch schon tat, als er noch mit The Police weltweit Erfolge feierte. Dass er musikalisch auch alleine erfolgreich sein konnte, bewies er bereits 1985 mit seinem ersten Soloalbum “The Dream of the Blue Turtles” 1985, aus dem die Single-Auskopplung “If You Love Somebody Set Them Free” stammte, die ein großer Erfolg wurde. Aufgrund der hohen Verkaufszahlen gewann der Engländer sogar dreifach Platin, was ihn dazu ermunterte, weitere Solo-Alben zu veröffentlichen. Aus dieser Zeit bekannt sind zum Beispiel die Songs “Englishman in New York”, “All This Time”, “Brand New Day” und “After The Rain Has Fallen”.

Immer wieder suchte Sting auch die Zusammenarbeit mit anderen talentierten Musikern, darunter Gianna Nannini, Bryan Adams, Rod Stewart und Annie Lennox. Dass die Musik es sogar schaffte, ihn in dunklen Momenten zu trösten, bewies der Sänger 1991, als er sein Album “The Soul Cages” seinem damals kürzlich verstorbenen Vater Ernie widmete. Außerdem engagierte sich Sting immer wieder Umweltschutzprojekten und den Menschenrechten. Seine Unterstützung fand zum Beispiel die Gruppe “Amnesty International”. Gemeinsam mit seiner Lebensgefährtin Trudie Styler und Raoni, einem Indianer-Häuptling aus Brasilien, gründete er 1987 die Regenwaldstiftung “Rainforest Foundation”. Auch später engagierte er sich noch sozial, wie seine Teilnahme beim Umwelt-Konzert “Live Earth” im Juli 2007 in New York beweist. Dass ihm nicht nur die Umwelt im eigenen Land am Herzen liegt, bewies Sting der Weltbevölkerung, als er 2009 die brasilianische Regierung dazu aufforderte, auf den Bau des größten Stausees der Welt, bekannt unter dem Projekt “Belo Monte”, zu verzichten.

Musikalisch äußerst erfolgreich für ihn zu werden versprach das Jahr 2002. Immerhin gewann Sting damals nicht nur einen Golden Globe, sondern wurde für sein Lied “Until…“ aus dem Film “Kate & Leopold” auch für den Oscar nominiert. Eine besondere Auszeichnung war auch der „Gabriela Mistral Preis für Kultur“, mit dem der Brite 1987 mit seinem Song “They Dance Alone” zu Ehren der Mütter des Opfers des chilenischen Pinochet-Regimes geehrt wurde. Nur ein Jahr später wurde er mit dem Verdienstorden zum “Commander in the Most Excellent Order of the British Empire (CBE)” ernannt.

Mittlerweile darf sich der ehemalige Englischlehrer über sein 25-jähriges Solo-Karriere-Bühnenjubiläum freuen, das er mit seiner neuen Welttournee “Back To Bass”, die am 21. Oktober 2011 begann, feiert. Im Laufe seiner Karriere brachte Sting 10 Studio- und 3 Live-Alben auf den Markt, war auf 3 Compilations zu hören und veröffentlichte 36 Singles. Außerdem wirkte er an zahlreichen Projekten mit, unter anderem bei Tina Turner, Toby Keith, den Sugababes, Craig David und Sheryl Crow. Daneben veröffentlichte er mehrere DVDs und Videos. Aufgrund seiner Erfolge erhielt er daneben mehrere Grammy Awards, war für einen Oscar nominiert, wurde in der „Songwriter’s Hall of Fame“ und der „Rock’n’Roll Hall of Fame“ aufgenommen und erhielt für seine Alben und Singles mehrere Auszeichnungen.

Der stolze sechsfache Vater kann sich auch darüber freuen, dass sein ältester Sohn Joe musikalisch gesehen in seine Fußstapfen tritt (Band-Gründer von “Fiction Plane”). Auch seine Tochter Eliot, die sich Coco nennt, ist musikalisch begabt und als Musikerin unter dem Namen “I Blame Coco” erfolgreich.

Ihre heutige Berühmtheit und den Erfolg ihrer Karriere hat Helene Fischer auch ihrer Mutter zu verdanken. Schließlich war sie es, die ein Demo-Tape an den Künstlermanager Uwe Kanthak sandte. Dieser war vom Talent der jungen Musikerin so begeistert, dass er der Sängerin einen Plattenvertrag bei Produzent Jean Frankfurter verschaffte. Nur kurze Zeit später konnte der heutige Publikumsliebling seine Premiere feiern. Am 14. Mai 2005 verschaffte sie sich durch ein Duett mit Florian Silbereisen in dessen Sendung Gehör. Kurz darauf folgte 2006 ihr erstes Album, das den Namen “Von hier bis unendlich” trug.

Bis heute hat Helene Fischer nichts an Beliebtheit und Erfolg eingebüßt. So konnte die Russlanddeutsche 2006 bei einer dreitägigen Hörerhitparade auf SWR4 Baden-Württemberg mit dem Titel “Feuer am Horizont”den 16. Platz belegen. Bei der MDR-Hitsommernacht schaffte sie es sogar, den ersten Platz zu ergattern, ebenso wie bei der MDR-Hitparade mit ihrem Lied “Im Reigen der Gefühle”. Dies war der Auftakt zu einer großartigen Karriere, die sogar dafür sorgte, dass der MDR dem jungen Talent 2007 einen eigenen Musikfilm widmete (“So nah, so fern”), in welchem Helene ihre neuesten Titel aus ihrem Album vorstellen konnte. Als wäre dies nicht schon Ehre genug, erhielt die Sängerin 2007 für ihre beiden Alben “Von hier bis unendlich” sowie “So nah wie Du” gleich zweimal Gold in der EMI Musik. Unvergessen ist auch ihre Teilnahme am dreitägigen Schlagermarathon 2007 von SWR4 Rheinland-Pfalz, bei welchem sie mit dem Stück “Mitten im Paradies” den 3. Platz belegte. Außerdem konnte sie mit zwei weiteren Titeln die Plätze 9 und 12 belegen.

Die oberste Auszeichnung der Volksmusik, nämlich “Die Krone der Volksmusik”, bekam die Musikerin 2008 in der Kategorie “Erfolgreichste Sängerin des Jahres 2007″. Darauf folgte die Platin-Auszeichnung für ihr Album “Von hier bis unendlich”, was Helene Fischer zu noch mehr Ehrgeiz anstachelte, und was schließlich darin mündete, dass sie in der NDR 1 Niedersachsen Frühlings-Hitparade mit dem Titel “Und morgen früh küss’ ich dich wach” den 2, Platz belegte. 2007 ging sie dann schließlich auf ihre erste Solo-Tournee, welche sie so inspirierte, dass sie danach ihr drittes Studioalbum “Zaubermond”, welches später auf Anhieb Platz 2 der deutschen Album-Charts erreichte, produzierte. Nur kurze Zeit später erhielt sie die Auszeichnung “Goldene Henne” in der Kategorie Musik. Dem Ganzen die Krone setzte letztendlich die Echoverleihung 2009 auf, bei welcher ihr musikalisches Talent in höchsten Tönen gelobt wurde.

2009 durften sich ihre Fans sogar über die DVD “Zaubermond live” freuen, die einen Mitschnitt ihrer Konzertaufzeichnung vom 31. März 2009 aus dem Admiralspalast in Berlin enthält. Auch danach schaffte sie es, die Massen zu begeistern, schließlich gelang es ihr mit ihrem im Oktober 2009 veröffentlichten vierten Studio Album “So wie ich bin” auf Anhieb Platz 1 der österreichischen und Platz 2 der deutschen Album-Charts zu erreichen. Und auch die Schweizer wissen die Musik von Helene Fischer zu schätzen, denn hier kletterte ihr Album von 0 auf 7. Was anschließend folgte, war die Fortsetzung ihrer erfolgreichen Musikkarriere mit einem Best-of-Album 2010 (Platz 2 in Deutschland, Platz 1 in Österreich), einer “Best Of Live – So wie ich bin – Die Tournee” DVD 2010, der CD “Best Of – Der Ultimative Dance-Mix” 2011 sowie dem Box-Set “Best of – Platin Fan Award” 2011, einer viermaligen Echo-Nominierung 2011 (Kategorien: “Bestes Album”, “Erfolgreichste DVD-Produktion national”, “Bester Live-Act national” und “Künstler/Künstlerin/Gruppe Deutschsprachiger Schlager”).

Um ihre Karriere weiter anzukurbeln, veröffentlichte Helene Fischer 2011 ihr fünftes Studioalbum, das den Titel “Für einen Tag” trägt, und zum ersten Mal in ihrer Karriere in Deutschland auf Platz 1, in Österreich und der Schweiz auf Platz 2 kam. Seit vielen Jahren ist sie auch privat glücklich mit dem deutschen Fernsehmoderator und Sänger Florian Silbereisen.

Keine Frage, ein Horrorfilm ist nur dann gut, wenn er beim Zuschauer Gefühle der Angst und des Schreckendes verursacht. Wie genau man diese Gefühle hervorruft, ist Sache des Regisseurs. Zum Beispiel können übernatürliche Akteure und Phänomene auftreten. Aber auch reale Geschehnisse können durchaus eine beängstigende Wirkung haben. Meistens kommen dabei spezielle Effekte, wie zum Beispiel verstörende Musik oder ängstigende Geräusche, zum Einsatz.

Auch wenn sich Horrorfilme und Thriller stark ähneln – beide sorgen beim Zuschauer für Spannung und Schrecken -, gibt es einen gravierenden Unterschied: Gruselfilme erreichen ihr Ziel meistens durch übernatürliche Gegenspieler, wie Vampire, Werwölfe, Gespenster, Außerirdische, Monster, Zombies und Mutanten. Nicht vergessen werden sollte auch der Friedhof als Drehort, der als beliebtes Mittel zur Erzeugung von Unbehagen eingesetzt wird. Davon abgegrenzt werden müssen so genannte Slasherfilme. Diese kommen gänzlich ohne übernatürliche Phänomene aus. Die Bedrohung geht vielmehr von menschlichen Psychopathen und Mördern aus. Außerdem unterscheiden sich Horrorfilme von Märchen und Fantasyfilmen, bei welchen die Gesetze unseres Alltages nicht gelten.

Neben speziellen Effekten, die für das Gruseln sorgen, wird in Horrorfilmen auch versucht, den Zuschauer emotional in das Geschehen zu verwickeln. Dabei müssen nicht immer übernatürliche Wesen zum Einsatz kommen. Viel wichtiger ist eine exakte Abstimmung von Drehbuch, Interpretation, Bildgestaltung, Kameraführung, Filmschnitt, Musikuntermalung und Klangeffekten. Es gibt viele Filme, die sich dadurch auszeichnen, und gerade deswegen sind sie auch heute noch beliebt. Man denke nur an die Verfilmung von Mary Shelleys Roman “Frankenstein” (zunächst als Stummfilm 1910, später in zahlreichen Neuverfilmungen) und an den wirkungsvoll inszenierten Klassiker “Die Vögel” (1963).

Horrorfilme, die es geschafft haben, nichts an ihrer gruseligen Wirkung zu verlieren, sind auch die Verfilmungen von Stephen King: “Carrie – Des Satans jüngste Tochter” (1976), “The Shining” (1980) und “Es” (1990). Fast schon Tradition ist es dahingegen, an Halloween in der Nacht des Gruselns die Horro-Klassiker “Halloween – Die Nacht des Grauens” (1978) und “Freitag der 13.” (1980) im Fernsehen auszustrahlen. In den 1980er Jahren stark geprägt wurde dieses Genre von “Poltergeist” (1982) sowie “A Nightmare in Elm Street” (1984) und “Chucky – Die Mörderpuppe” (1988). Ein Jahrzehnt später eroberten auch die Filme “Das Schweigen der Lämmer” (1991) und “Sieben” (1995) die Filmwelt und es kam zu zahlreichen Neuauflagen von Klassikern, wie “Mary Shelleys Frankenstein” (1994).

Vor allem von Jugendlichen bei Horrorfilmen favorisiert werden noch heute “Scream” (1996), “Ich weiß, was du letzten Sommer getan hast” (1997) und “Final Destination” (2000), bei junge Heranwachsende in die Rollen schlüpfen. Heutzutage gibt es aber auch zahlreiche Remakes von amerikanischen und asiatischen Filmen, wie “Michael Bay’s Texas Chainsaw Massacre” (2003), die für einen noch höheren Gruselfaktor beim Zuschauer sorgen sollen. Ebenso viel Erfolg im Kino und in der Filmwelt feiern konnten die “Scream”-Reihe, “Wrong Turn” und “Saw” (2004).

Bollywood bedeutet überschäumende Lebensfreude, üppige Farbenpracht, exotische Schauplätze und auch tiefster Schmerz. Bollywood-Film bedeutet eigentlich „Hindi-Film“. Der Begriff dieser Hindi-Unterhaltungsfilme lehnt an die Unterhaltungsindustrie in Hollywood an. Man kann den Bezug zu Hollywood bereits in der Namensgebung finden, eine Mischung aus Hollywood und Bombay.

Bollywood-Filme handeln ausschließlich von Liebe und dem Verhältnis zwischen Mann und Frau. Oft werden Sie mitunter auch als Kitsch und Schmalz bezeichnet. Trotzdem gewinnt die Mischung aus Musik und Tanz, Lebensfreude und Emotionen eine immer größer werdende Fangemeinde.

Der Superstar der Bollywood-Filme ist unbestritten Shahrukh Khan. Er ist präsent wie sonst niemand. Mitunter spielt er in einem Film gar nicht mit, fragt man hinterher jemanden, wer denn der Hauptdarsteller war, wird garantiert geantwortet: „Shahrukh Khan“. Bollywood und Khan sind untrennbar miteinander verbunden.

2010 hatte „My name is Khan“ Premiere in Deutschland und war gleichzeitig der erfolgreichste indische Film. Der Film handelt von zwei Brüdern. Der eine Bruder „R. Khan“ leidet in diesem Film am so genannten „Asperger-Syndrom“, einer leichter verlaufenden Form von Autismus. Aufgrund dieser Krankheit gelangt er nach mehrere Schicksalsschlägen und Wirrungen bis hin zum amerikanischen Präsidenten, um ihm zu sagen: “Mr. Präsident, mein Name ist Khan, und ich bin kein Terrorist”.

Ein weiterer bekannter Hindi-Film ist der Film: „Om Shanti Om“ von 2007. In diesem Film geht es um Reinkarnation. Om möchte gemeinsam mit seinem Freund Pappu ein berühmter Schauspieler werden. Mit kleinen Rollen schlagen sich die beiden Freunde durch. Om verliebt sich in Shanti, die aber mit dem Produzenten Mukesh verheiratet ist. Als an einem Filmset ein durch Brandstiftung entstandenes Feuer ausbricht, wird Om selbst verletzt. Während Shanti stirbt, wird Om im Körper eines neu geborenen Kindes wiedergeboren.

Nach 30 Jahren treffen sich Om, der nun der Schauspieler Om Kapoor ist, und Mukesh wieder. Om beginnt sich an Szenen seines früheren Lebens zu erinnern und plant ein Remake von „Om Shanti Om“, wobei er Mukesh als Mörder entlarven will. Unerwartet kommt Shantis Geist ins Spiel und bringt Mukesh um.
Beide Filme, wie auch alle anderen Bollywood-Filme setzen die Inhalte durch viel Farbe und Musik in Szene. Dramaturgisch gekonnt umgesetzt, leidet die Fangemeinde mit ihren Darstellern, feiert aber letztendlich den Sieg des Guten über das Böse.